Ce sujet a continué et s'est intensifié de façon spectaculaire vers la fin de sa vie alors que sa propre santé se détériorait. Les représentations graphiques d'elle-même subissant des tourments sont un aperçu saisissant de ses propres luttes contre l'adversité physique et la douleur. La colonne brisée, peinte en 1944, est une œuvre que Kahlo a réalisée peu de temps après avoir subi une opération de la colonne vertébrale. Ce n'était qu'une des nombreuses procédures médicales qu'elle a subies au cours de sa vie pour corriger les problèmes résultant de son accident antérieur. Au moment de la peinture, Kahlo devait porter un corset en acier contrairement aux moulages en plâtre qu'elle portait auparavant.
Dans la peinture, Kahlo se place dans un paysage sombre et fracturé qui semble avoir subi autant de bouleversements et de traumatismes que l'artiste. Elle a une fissure profonde et déchiquetée sur la longueur de son torse presque nu permettant au spectateur de voir sa colonne vertébrale représentée comme une colonne de pierre ionique fissurée et rompue. Sa colonne vertébrale semble proche de s'effondrer, en particulier à la base. Des clous de différentes tailles transpercent tout son corps et son visage, ajoutant à sa souffrance. Les larmes coulent librement et abondamment sur ses joues.
Kahlo s'est d'abord peinte nue à part le corset de soutien médical qu'elle porte, mais a ensuite ajouté un drap blanc d'aspect chirurgical pour couvrir sa moitié inférieure. Ses seins sont exposés et malgré la mutilation de son corps, sa sensualité est toujours manifeste. Il y a aussi de forts échos du martyre iconique chrétien dans la représentation des clous et des draps. Malgré l'agonie vécue, il y a une expression de force et de défi sur le visage de Kahlo. Même si son corps est blessé et torturé, il est évident que son esprit est toujours intact.
Les éléments symboliques de cette peinture tentent de dépeindre l'artiste comme entièrement seule, accompagnée uniquement de la douleur et du tourment de ses blessures. D'autres autoportraits l'ont montrée protégée par la nature ou l'amitié, mais son arrière-plan est stérile et elle se tient seule, avec une expression sombre. On pense que cette période de sa vie a été influencée par les affaires de son mari, l'artiste Diego Rivera . Ce personnage plus grand que nature semblait incapable de rester fidèle à Frida, malgré leur amour profondément enraciné l'un pour l'autre. Ce dommage émotionnel s'est ajouté à ses problèmes physiques existants qui résultaient de problèmes importants dans son enfance ainsi que d'une blessure grave vers 1925, alors qu'elle voyageait en bus.
On pense que les clous trouvés dans cette scène font référence à Frida endommagée émotionnellement par son mari. "Estar clavado" en espagnol mexicain fait référence à cela, se traduisant essentiellement par être cloué ou trompé. Nous retrouvons également des larmes qui coulent de ses yeux, ce qui indique à nouveau cette douleur mentale en plus des luttes physiques évidentes qui ont poursuivi l'artiste tout au long de sa vie. Kahlo aurait-elle pu produire un art aussi extraordinaire et expressif sans les problèmes qu'elle avait rencontrés au cours de sa vie ? Peut-être pas. Un art comme celui-ci est inspiré par des incidents graves qui suscitent des émotions, et le seul fait d'avoir la capacité technique ne suffirait pas à produire une série de peintures comme celle-ci.
La colonne brisée est l'un des autoportraits les plus mémorables de cet artiste, quelqu'un qui a utilisé ce genre plus que tout autre artiste célèbre dont nous nous souvenons, à part peut-être Rembrandt qui l'a utilisé pour garder ses finances hors de l'eau. Au-delà de cette peinture, vous pouvez également étudier d'autres faits saillants tels que Deux Fridas , Ma naissance et Frieda et Diego Rivera. Chacune de ces compositions individuelles nous aide à construire une image plus forte de la personnalité de Frida Kahlo et de ses opinions sur sa vie. Son œuvre est comme un journal de sa vie, exprimant l'angoisse, l'émotion et parfois l'espoir pour l'avenir.
Un dernier élément symbolique de cette composition est le pagne que Frida tient pour couvrir, peut-être protéger, ses parties inférieures. C'est comme si elle nous disait que c'est tout ce qu'elle a à donner, après les bouleversements qu'elle a traversés. Elle offre au spectateur la possibilité de décider de son sort, si vous le souhaitez. C'est une position vraiment vulnérable, et ne peut s'empêcher de charmer le spectateur et de lui faire ressentir une grande sympathie et un grand amour pour cette femme incroyable qui a été particulièrement durement touchée. Beaucoup de ses problèmes étaient purement dus à la malchance, mais la douleur subie par l'infidélité de son mari aurait pu être évitée et résume également les difficultés rencontrées par de nombreuses femmes au cours des derniers siècles. Telle était l'époque, ce scandale n'a guère ruiné la réputation de son mari,
La colonne brisée est considérée par beaucoup comme le tableau le plus important de Frida Kahlo. Il est difficile d'imaginer une scène qui capture mieux son agitation interne et externe, tout en en fournissant les raisons. À son tour, cela est devenu l'une des œuvres les plus recherchées et analysées de sa carrière et il reste l'un des véritables points forts de l'impressionnante collection du Museo Dolores Olmedo Patino à Mexico. La peinture originale mesure 40 cm de haut sur 30,7 cm de large et est une huile sur toile montée sur Masonite. À une époque où les droits et les opportunités des femmes sont particulièrement importants, la vie d'une icône telle que Frida Kahlo sera examinée de plus près. En effet, vous verrez son visage apparaître sur les panneaux d'affichage et dans les médias écrits plus que jamais - c'est comme si son héritage ne faisait que commencer à laisser son influence.
